Recensione di Livio Meo

Lt 22 – Radio La Colifata è un documentario del regista argentino Carlos Larrondo ed è stato proiettato per la prima volta in Italia da Cinit Cineforum Labirinto, un’associazione gestita da un gruppo di studenti universitari e liceali di Treviso. Grazie all’impegno di alcuni volenterosi, Cineforum Labirinto ha potuto presentare il film in prima assoluta con sottotitoli in italiano, interamente realizzati da un gruppo di traduttori reclutati nelle scuole superiori della città.

Radio La Colifata è un’emittente radio argentina che trasmette direttamente dal giardino dell’Ospedale Psichiatrico José Borda di Buenos Aires. Il nome della radio deriva dalla parola “colifato”, che nel dialetto della capitale significa matto, suonato. Nel 1991, Alfredo Olivera, specializzando in Psichiatria, decide di disinteressarsi dell’usuale terapia farmacologica per sperimentare una cura totalmente diversa, il coinvolgimento degli ospiti del manicomio nella gestione di una radio. Ogni sabato i “colifatos” si riuniscono nel colorato giardino dell’imponente manicomio e ciascuno di essi si esprime attraverso il proprio spazio radiofonico.

Mentre i farmaci relegavano i pazienti alla reclusione sociale ed affettiva, attraverso i programmi radiofonici gli irresistibili protagonisti riacquistano la libertà ed instaurano un legame diretto con i radioascoltatori, stabilendo un contatto con il mondo esterno dal quale erano esclusi. I numerosi interventi degli ascoltatori rappresentano il materiale riscontro di come l’energia dei “colifatos” abbia abbattuto i muri del manicomio, contagiando la città con la voglia di vivere e di essere felici dei personaggi.

La naturalezza con la quale Horacio, Stella e gli altri soggetti collaborano al progetto radiofonico trova corrispondenza nello stile narrativo utilizzato da Carlos Larrondo. Il regista rappresenta le emozioni dei personaggi senza l’intervento di esperti esterni, evitando volutamente un approccio accademico e serioso che si sarebbe male adattato all’incontenibile vivacità della radio. Mediante un montaggio agile e puntuale, Larrondo fonde le voci dei “colifatos” con i ritmi musicali che accompagnano le vicende del film e crea una piacevole e coinvolgente dimensione di ascolto e condivisione, senza alcuna barriera di diversità.

Il contagioso successo della Radio supera in breve tempo i confini dell’Argentina e giunge fino in Europa. A Barcellona, il colifato Horacio Surus incontra il cantante Manu Chao, entusiasta dell’esperienza di Radio La Colifata al punto da organizzare un concerto a Buenos Aires con i “colifatos”. Manu Chao si introduce nella trama del documentario con grande complicità ed umiltà, spinto dal desiderio di conoscere e cantare con gli ospiti dell’ospedale Borda. Il concerto di Buenos Aires, culmine emotivo della pellicola, sancisce un momento di eccezionale partecipazione corale all’energia dei protagonisti. In un’atmosfera di festa, le parole dei “colifatos” giungono al cuore delle migliaia di spettatori e i gioiosi incitamenti della folla diventano un’iniezione di felicità più terapeutica di qualsiasi farmaco prodotto in laboratorio.

Exposition - Berlin, L’effacement des traces

Musée d’Histoire Contemporaine – BDIC, Hôtel national des Invalides, Paris 21 ottobre – 31 dicembre 2009

recensione di Laure Bouscasse

Le vingtième  anniversaire de la chute du Mur de Berlin a initié un vent de création déferlant sur toute l’Europe. En France, la Bibliothèque de Documentation Internationale Contemporaine (BDIC), centre de recherche et d’archives de l’université de Nanterre, demande à treize artistes de mettre en scène Berlin. Un cycle de conférences, débats et projections de film viendront agrémenter l’exposition présente dans les quatre petites salles du Musée d’Histoire Contemporaine installé à l’Hôtel des Invalides de Paris.

À travers le titre évocateur de Berlin, l’effacement des traces, l’exposition prend à témoin l’architecture et l’urbanisme de la ville comme matière révélatrice des changements politiques, économiques et sociaux notables ces vingt dernières années. Photos, affiches, bibelots, enregistrements sonores et vidéo révèlent ces preuves incontestables de métamorphose urbaine. Ils composent un puzzle mémoriel où chaque pièce exposée propose son interprétation du jeu en cours. Que reste-il de Berlin-Est ?

L’installation Palast der Repubblik, démontage sélectif, 2006-2009, film documentaire de Dominique Treilhou mélange images de destruction aux sonorités métalliques et commentaires témoignant des combats menés pour et contre la destruction du palais plongeant intelligemment le spectateur au cœur du procédé mémoriel : entre volonté d’oubli et désir de conservation. Au travers de ces bribes de discours, chacun et chacune offre son point de vue bref sur un événement bouleversant l’organisation spatiale de la ville dans son ensemble.

Dans cette ville redessinée, le psycho-mapping de Jan Svenungsson est un excellent exercice d’attention. Reproduites les unes à partir des autres, la vingtaine de cartes exposées montre Berlin sensiblement en mutation. Les traits de crayons se sont reportés d’une planche à l’autre sans pour autant se répéter. Au moment où on se laisserait volontiers porter par les transformations successives de Berlin, ces plan(che)s de ville suscitent la curiosité sans donner de véritable clefs d’accès au mécanisme de l’exercice du psycho-mapping.

L’expérience fantastique de la langue allemande par divers procédés  sonores installés dans les quatre salles de l’exposition permet la superposition des voix ; chacun donnant sa version des faits.

Les travaux pris un à un et faisant partie intégrante d’un ensemble, évoque par un jeu de temporalités une pluralité d’histoires. La juxtaposition des supports exposés permet la comparaison entre ce qui était et ce qui est toujours. Cependant la multiplicité des échelles temporelles allant de 89 à aujourd’hui se fait au détriment de la compréhension de la complexité de la ville et de ses histoires.

Les éléments de compréhension du phénomène souvent appelé de façon réductive « la chute du mur » peinent à émerger de l’exposition. Le cabinet des curiosités (bric-à-brac d’objets -parfois- non identifiables) ou la vitrine de produits dérivés aux couleurs de la RDA présentent, sous couvert d’ironie, une accumulation d’objets mis en boîte. Ainsi muséifiés, ces éléments n’entrent pas en interaction avec le public.

Un entretien en noir et blanc de L. Wolf, enregistré pourtant en 2009 par la BDIC et projeté sur un téléviseur des années 90 « comme avant », retiendra particulièrement l’attention du spectateur avisé. L’absence des questions au témoin surprend. Quand on connaît le minutieux travail fourni par la BDIC en matière de recollement de mémoires orales, on a peine à croire qu’une telle mise en scène puisse être présentée.

Les recoins de l’exposition suscitent la curiosité pour des oeuvres qui pourtant mériterait une place centrale. C’est peut-être aussi cela Berlin : les interstices.

Ce voyage décousu sur les traces d’une ville en quête de formes mérite grandement d’aller se plonger dans le catalogue[1] de l’exposition, véritable guide de lecture de l’événement.

À l’heure de la célébration du « reste » décontextualisé, on s’interroge sur véritable sens donné à l’effacement des traces.

Andrea Segre, Dagmawi Yimer, Riccardo Biadene, Asinitas Onlus, ZaLab, Italia 2008, 61’

recensione di: Chiara Lenarduzzi

“Voglio cominciare dal fischio di un treno. Mi ricorda mio padre”. La voce è quella di Dagmawi Yimer e dal primo istante iniziamo insieme a lui il viaggio di “Come un uomo sulla terra”, lavoro documentario sugli “effetti collaterali” degli accordi italo-libici per la gestione delle migrazioni. Le prime immagini sono quelle di un treno e di una stazione, luoghi che fanno da sfondo alla voce fuori campo di Dag in momenti precisi del film, che danno ritmo e forniscono una cornice alla vicenda narrata. Sono spazi della periferia romana, che diventano un’immagine simbolica dei margini e un modo per meglio far fluire il racconto cinematografico. Esso cerca di seguire, nel suo strutturarsi, la narrazione di un’esperienza drammatica: l’attraversamento del deserto tra Libia e Sudan finalizzato all’arrivo sulla costa e al successivo viaggio dentro il Mediterraneo, fino ad un altro mondo, che sembra a portata di mano. Dag, studente di giurisprudenza ad Addis Abeba, scappa dall’Etiopia in seguito ad una strage durante una grande manifestazione studentesca. Se ne va senza dire nulla a suo padre. Nel viaggio che intraprende, però, oltre alle disavventure con i trafficanti di uomini, si imbatte anche nella violenza strutturata ed inaudita della polizia libica. L’ossatura del documentario è costituita da questa storia dolorosa, che viene narrata e guardata attraverso le interviste ad altri giovani sudanesi, eritrei ed etiopi, approdati in Italia nello stesso modo. Le immagini sono infatti state girate prevalentemente all’interno della scuola di italiano Asinitas Onlus di Roma, coordinata da Marco Carsetti. Dag, che durante le interviste è voce e volto dentro il campo visivo dello spettatore, chiede ad altri giovani di raccontare la loro esperienza. Gli occhi, le parole, le lacrime, i silenzi, i segni della violenza ancora visibili sul corpo, affrescano la grande autorappresentazione di questo gruppo di rifugiati politici. Ci sono degli elementi che accomunano tutti questi racconti: il deserto, la cattura e la prigionia nelle carceri libiche per mesi, i respingimenti e l’azione puntuale dei trafficanti, pronti a sfruttare la compiacenza della polizia locale e la disperazione dei migranti per ricomprarli e fargli intraprendere nuovamente tutto l’inferno appena sperimentato. Un eterno ritorno che impiega a volte anni primi di essere spezzato. La scelta del montaggio è quella di alternare l’individuo, con la sua esperienza biografica irriducibile, alle immagini dei media. Il volto e la parola contro i muti barconi straripanti di massa umana, che hanno rappresentato per mesi l’unico appiglio visivo dello spettatore sui migranti del mare. In questo modo, sottolineando lo scarto comunicativo tra l’esperienza del documentario e l’informazione generalista e strumentalizzata politicamente, emerge, in tutta la sua violenta ambiguità, la parola “clandestino”, sostituita sempre più spesso a quella di “rifugiato” o “migrante”. Le immagini di repertorio dei telegiornali e le parole dei politici italiani sugli accordi italo-libici si appoggiano sull’altra realtà, di cui siamo qui testimoni, come una maschera grottesca.

La forza di questo documentario poggia su molteplici livelli. La denuncia del taciuto, dell’omesso, dell’informazione negata, si accompagna allo svelamento dei meccanismi comunicativi usati dai media per aggirare il tema che qui viene trattato e che può essere riassunto dalla metafora di Dag: l’Italia sta agendo nei confronti dei migranti un po’ come la gatta con i suoi piccoli, cioè tiene chi è forte e mangia chi è più debole. Il documentario sembra cercare tutti i modi per far arrivare la verità allo spettatore e questa tensione ha il suo apice probabilmente quando Dag, insieme ad un altro ragazzo della scuola, chiama un loro conoscente, catturato e rinchiuso in una prigione libica da più di un anno, con il quale si instaura un dialogo telefonico straziante. L’effetto di coinvolgimento emotivo è dunque l’elemento dominante, prodotto anche dall’empatia che si instaura tra Dag e i suoi intervistati. Essi accettano di parlare perché davanti si trovano l’unica persona in grado di capire cosa abbia significato quel viaggio: uno che a sua volta l’abbia intrapreso. La forza del documentario sta in questo meccanismo e infatti le testimonianze raccolte da Dag ne costituiscono il nucleo, anche se in certi momenti il documentario assume i modi dell’inchiesta giornalistica. Il documentario sa che può evocare ma mai descrivere attraverso le immagini: prigioni, sete, caldo, percosse, paura, umiliazione diventano oggetti concreti perché raccontati. L’unica evasione può essere quella della voce fuori campo e forse qualche immagine del deserto. Cielo e sabbia visti da un’automobile in corsa. Dag entra in un container. È vuoto. Ne misura con il suo passo le dimensioni e il buio infinto, che contrasta con la luce accecante del deserto. La porta si chiude. Eppure noi sappiamo che può contenere decine e decine di persone stipate, senza la possibilità di bere o di fare i propri bisogni, se non in piedi. Sappiamo anche che qualcuno soffoca per il caldo e noi lo possiamo visualizzare perché abbiamo ascoltato e visto negli occhi di chi racconta.

Per questo motivo il lavoro si interroga sul ruolo della memoria e sul senso di raccontare e forse le parole di una ragazza, legata per giorni e violentata dalla polizia libica, chiosano tutto: “Io ho accettato di raccontare non per avere la pietà degli italiani ma perché ho la speranza che questo non accada più”.

La vicenda di questo film è forse sintomatica di questa necessità. Il successo decretato dal passaparola, le proiezioni pubbliche organizzate dalle associazioni culturali e di volontariato, l’interesse e la commozione suscitati negli spettatori fanno pensare ad una voglia di accedere alle fonti orali in prima persona, senza i troppi filtri a cui siamo abituati.

recensione di Lorenza Masè

Non ha un nome e nemmeno un cognome. Nessuna età. È soltanto un clandestino. Amori, amicizie, famiglia e dignità: tutto rimane nel luogo che lascia partendo. Come si fa a raccontare che il mondo non lo vuole? L’Europa lo respinge? Forse unico modo sarebbe provarlo sulla propria pelle. Travestirsi per trasformarsi in clandestino. Di certo, ci vorrebbe un bel coraggio. Fabrizio Gatti [ http://rcslibri.corriere.it/rizzoli/_minisiti/gatti/book_trailer.htm] inviato del settimanale l’Espresso si è trasformato in Bilal[1] per raccontare il viaggio che dal Senegal, passando per il Niger, arriva in Libia. E da lì fino in Italia. 6.350 kilometri. Il viaggio completo può durare da tre settimane a qualche mese. Attraversare il deserto del Sahara dentro camion e autobus per imbarcarsi da clandestini sulla rotta dell’Europa. Li chiamano i viaggi dei disperati, invece dice Gatti è «un viaggio eroico, pieno di coraggio e speranza». Già libro – Fabrizio Gatti, Bilal. Viaggiare, lavorare, morire da clandestini, Rizzoli Milano, 2007, pp. 495 – diventa anche spettacolo teatrale. Gatti voce narrante porta sul palcoscenico le vite incontrate percorrendo la lunghissima strada di chi senza passaporto rischia tutto pur di arrivare in Europa. Durante lo spettacolo il clandestino si riappropria di un nome e di un’età, del suo bagaglio di speranza e di dolore. Il giornalista li conosce e sa raccontarli perché era con loro. Ha ascoltato le loro storie, i loro ragionamenti, le loro speranze. Nella “finzione” teatrale le testimonianze di vita sono recitate da Gatti in italiano, ne risente la dimensione di crocevia linguistico che ogni viaggio possiede. Le storie personali che Gatti ha raccolto lungo strada sono dei flash che si susseguono veloci nell’incedere del racconto, senza rispettare il vero tempo del viaggiatore con le sue pause e suoi silenzi prolungati. L’impressione è che quegli uomini e quelle donne africani avrebbero ancora molto altro da dire. La loro memoria suscitata dal dialogo con il giornalista è un po’ imbrigliata dal montaggio narrativo, breve e incisivo ma senza grandi balzi in avanti o all’indietro a ripescare ricordi, perdendo il tratto di spontaneità che caratterizza l’oralità. Nello spettacolo l’esperienza del viaggio del giornalista si fonde con i luoghi autentici attraversati e gli stralci di vita dei clandestini. D’altra parte il lavoro di Gatti non si propone come una ricerca pura di storia orale ma come inchiesta giornalistica. Eppure la fonte orale coinvolge e ogni storia arriva come un pugno nello stomaco dello spettatore. La testimonianza aumenta il suo potenziale fondendosi nelle musiche e canti composti da Gualtiero Bertelli[2] e in parte tratti dai repertori dei paesi di provenienza dei nuovi schiavi. Nei canti finalmente l’italiano si mescola alle lingue del deserto creando un cortocircuito tra i migranti italiani di ieri e quelli africani di oggi. La musica[3] li mette in comunicazione, rendendo l’altro meno diverso. Le sofferenze, i dolori, il coraggio e le speranze degli italiani imbarcati nei transoceanici diretti verso l’America finiscono con l’assomigliare al tentativo disperato di migliorare la propria vita dei clandestini stivati nei barconi fantasma. «Navi amate – navi sofferte – navi maledette» in un misto di rabbia e tristezza canta quasi urlando Bertelli. Di certo, lo spettacolo è uno stimolo a raccogliere le esperienze di vita dei migranti. Bilal è una storia spietata. Soprattutto è una storia vera.

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[1] Bilal è il nome di copertura che Fabrizio Gatti ha usato per trasformarsi in clandestino

[2] Gualtiero Bertelli dal 1964 svolge ricerche sulla musica popolare e il canto sociale veneto e di altre regioni italiane

[3] Gualtiero Bertelli voce, chitarra e fisarmonica; Paolo Favorindo fisarmonica; Rachele Colombo, voce, percussioni, elettronica; Guido Rigatti contrabbasso, violoncello e oud; Maurizio Camardi sassofoni, duduk e flauti etnici.

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LINK

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http://rcslibri.corriere.it/rizzoli/_minisiti/gatti/libro.htm

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LE RADICI DELLA RESISTENZA. DONNE E GUERRA, DONNE IN GUERRA

Pisa, Plus, pp. 94+DVD (regia di Francesco Andreotti)

L’episodio narrato in questo bel documentario – e nel breve volume di saggi che lo accompagna – senz’altro costituisce uno dei fondamenti dell’identità antifascista dell’area apuana, in particolare del carrarese. Esprime l’unità d’intenti, la compattezza e la forza di una comunità che si ribella all’oppressione. E’ tuttavia un altro il terreno su cui la ricerca si segnala: essa infatti mette nettamente a fuoco, la partecipazione femminile alla guerra, argomento spesso facilmente trascurato nella costruzione della grande epopea risorgimentale; indaga le forme che può assumere il concetto di resistenza, là dove accanto all’azione di stampo militare risuonano le corde della disobbedienza, della resistenza civile, riduzione del danno, come Anna Bravo sottolinea nel suo saggio. Il 7 luglio 1944 il comando territoriale tedesco ordinava lo sgombero di tutta la città di Carrara e, conseguentemente, l’emigrazione forzata di tutta la popolazione verso la pianura padana. L’ordine non venne eseguito; non ce ne furono le condizioni, perché una manifestazione spontanea di donne di Carrara e di Massa fu così imponente da provocarne la revoca. Il lavoro si basa su un corpo di 56 interviste a donne protagoniste dell’episodio o testimoni in quelle terre degli anni di guerra, il cui quotidiano resistere paga il prezzo di una effettiva subalternità rispetto a quella «identificazione della resistenza con l’uso, prevalentemente maschile, delle armi [...] che – scrive Francesca Pelini – esclude gli altri soggetti disobbedienti dal cerchio dell’eroismo». Più di tutto colpiscono l’espressività dei volti e la forza evocativa delle voci

regia di Francesco Andreotti

durata: 47 min

sceneggiatura: Francesco Andreotti, Francesca Pelini

interviste a cura di: Giovanna Bernardini, Isa Zanzanaini

coordinamento scientifico: Francesca Pelini, Paolo Pezzino

fotografia e montaggio: Francesco Andreotti

assistente alla regia: Sara Petri

musiche: Trio Lunares, Trio Soledonna

produzione: Comune di Carrara con il contributo di Regione Toscana, Provincia di Massa-Carrara, Mediateca Regionale Toscana, Fondazione Cassa di Risparmio di Carrara.

anno di produzione: 2005

Il filmato integrale si può consultare al sito: http://www.mediatecatoscana.it/archivi_tematici_resistenza_radici_filmato.html

Barbara Berruti e Andrea D’Arrigo, Una valle in guerra. Foto di gruppo in Val Chisone, Provincia di Torino, Consiglio provinciale – Comune di Perosa Argentina, Italia, 2009, 75’.

recensione di: Alessandro Cattunar

Una valle, una comunità montana, un’area al confine tra il Piemonte e la Francia. Le persone che la abitano e che l’hanno abitata. Il documentario curato da Barbara Berruti e Andrea D’Arrigo si configura realmente come una foto di gruppo della popolazione di quest’area, della Val Chisone. Dieci storie, dieci racconti di vita che si intersecano, si incontrano in punti precisi, nodi della memoria radicati nei luoghi, nelle date, nei compagni di viaggio. I ricordi degli anni del fascismo, periodo della gioventù e dell’inconsapevolezza. Periodo di rinunce e di compromessi da cui emergono però anche figure positive, come i Gütermann, fabbricanti di seta di Friburgo che negli anni trenta aprirono una filiale a Perosa Argentina. Una fabbrica per la macerazione e la pettinatura dei cascami di seta che diede lavoro a più di 1200 persone. Una fabbrica che per molto tempo volle dire lavoro, sicurezza, servizi sociali e protezione. E poi la guerra, la violenze e la dura ma necessaria presa di coscienza che segue l’8 settembre del 1943. La decisione di partire, di andare partigiano, di unirsi ad uno dei numerosi gruppi clandestini che si stavano formando. La liberazione, infine. I racconti dei testimoni si soffermano sulla vita quotidiana, sulla motivazione delle scelte compiute e sulle persone (amici, capi partigiani, compagni di battaglia) che hanno segnato il cammino. I ricordi e i primi piani dei protagonisti si alternano e si mescolano con i luoghi degli eventi e della memoria ripresi oggi, a colori, e con le fotografie conservate e riportate alla luce, fotografie in bianco e nero, che illustrano, arricchiscono e completano le narrazioni.

Il documentario – semplice ma rigoroso nell’impostazione e curato dal punto di vista visivo – nasce con fini soprattutto didattici. Le varie sezioni in cui è suddivisa la narrazione sono introdotte da alcune brevi didascalie che permettono allo spettatore meno esperto di contestualizzare i racconti dei testimoni. È anche possibile accedere ad un apparato di materiali collegati, innanzitutto le schede biografiche dei testimoni, e usufruire della possibilità di consultare integralmente tutte le interviste in formato dvd recandosi all’Istoreto. (Alessandro Cattunar)

BabyDocFilm, Deriva Film, Esperia Film, Italia 2008, 73’.

Carlo Marrapodi, 30 anni, calabrese, vive a Torino ed è un operaio della ThyssenKrupp Acciai Speciali Terni. Nell’aprile del 2007 l’azienda decide di smantellare lo stabilimento torinese. In luglio Carlo è costretto a lasciare Torino (e sua amica Melita) per tornare in Calabria. Cassa integrazione. Inaspettatamente, in autunno, l’azienda richiama i lavoratori in linea. Per non perdere il diritto alla liquidazione gli operai fanno turni massacranti e in condizioni di sicurezza precarie. Pochi giorni dopo, tra il 5 e il 6 dicembre 2007, avviene la tragedia, nella linea 5 le fiamme travolgono i sette operai di turno. Carlo quel giorno aveva fatto il turno pomeridiano. Una telefonata all’alba lo avverte del disastro. La fabbrica chiude definitivamente e Carlo decide di tornare, definitivamente, in Calabria. Quest’ultimo viaggio assume la funzione di viaggio nella memoria, di rielaborazione, almeno parziale, del lutto, di sfogo della rabbia accumulata in anni di lavoro in condizioni di sicurezza precarie e mal retribuito. La testimonianza di Carlo, i suoi ricordi e il suo lungo viaggio in treno, il suo tentativo di ricostruirsi una vita nella sua terra di origine, il suo tentativo di gestire la rabbia e di non farsi sopraffare dallo sconforto ci fanno ragionare in maniera non banale sull’Italia di oggi, sugli endemici problemi legati alla precarietà del lavoro e sulle insufficienti misure di sicurezza. Ma ci restituiscono anche la storia di un giovane che rappresenta tanti suoi coetanei costretti a continui spostamenti, costretti a riconfigurare periodicamente i propri orizzonti e le proprie aspettative, ma che, nonostante questo, non si perdono d’animo.

Il film appare sincero e riuscito – nonostante l’evidente presenza di alcuni passaggi meno brillanti – proprio perché non pretende di ricostruire una verità oggettiva e perché non vuole dimostrare niente. È un film di parte, un film che assume un unico punto di vista, e senza risultare eccessivamente patetico cerca di andare in profondità, fondendo la rabbia con l’ironia, la rassegnazione con la speranza nel cambiamento. Carlo accetta che la sua vita diventi una storia, una narrazione. Accetta che il reale, in qualche modo, si leghi alla finzione, o quanto meno alla necessaria “costruzione” che il mezzo cinematografico sempre porta con sé. (Alessandro Cattunar)

Studiouno, Italia 2008, 90’

La fabbrica dei tedeschi è un documentario, o meglio, un vero e proprio film-testimonianza sulla drammatica vicenda della ThyssenKrupp Acciai Speciali Terni di Torino nella quale la notte tra il 5 e il 6 dicembre 2007 persero la vita in un rogo sette operai. Il film è nettamente diviso in due parti. Nella prima alcuni famosi attori interpretano i parenti delle vittime durante l’ultimo giorno prima della tragedia. Nella seconda si cerca di comprendere ciò che è successo quella notte e le conseguenze che ha avuto su molte famiglie attraverso interviste ai parenti delle vittime e testimonianze di chi ha vissuto la disgrazia. La tematica era senz’altro urgente e attuale. Le intenzioni erano buone: dare voce e visibilità ad una tragedia che si poteva evitare e che in futuro non dovrà ripetersi. Ma il risultato non convince. Infatti, molto spesso, troppo spesso, Calopresti sembra andare alla ricerca della narrazione patetica, della lacrima facile, della spettacolarizzazione della tragedia. I testimoni sono spesso ripresi in primissimo piano, la telecamera sta addosso agli intervistati, cercando di cogliere ogni spasmo di sofferenza. Il regista invita i suoi “personaggi” (e l’inutile e fastidioso prologo è la conferma più chiara che per il regista i testimoni diventano dei veri e propri personaggi) a tornare sul luogo della tragedia in modo da far riemergere i ricordi ma soprattutto il dolore. E quando i testimoni si rivelano titubanti, lui insiste, li forza. Il film riesce forse a restituire lo strazio per quelle vite spezzate, il dolore muto delle mogli, dei genitori e dei figli ma fornisce pochi elementi, poche risposte sulle cause della tragedia, sulle posizioni assunte dalle parti in causa, sulle dinamiche lavorative, aziendali e sindacali, sui comportamenti da assumere per evitare che una situazione simile si ripresenti. Domande fondamentali quando ci si trova di fronte ad una situazione drammatica e attuale come questa. (Alessandro Cattunar)

Una distesa di specchi infilati nella sabbia. Specchi di tutte le forme e di tutte le dimensioni. Specchi che mostrano e che nascondono. Specchi che riflettono infinite volte il mare, la spiaggia e soprattutto il corpo di Agnès Varda. Mai una metafora poteva essere così chiara eppure così potente. La grande regista francese vuole mettere in scena se stessa, la sua vita, le sue spiagge (il suo luogo dell’anima, in qualche modo). E soprattutto i suoi film che, in qualche modo, fanno letteralmente e fisicamente parte di lei. Les Plages d’Agnès è una sorta di autobiografia cinematografica, un esperimento di cinema auto-documentaristico. Una narrazione della memoria personale attraverso le immagini. Un originalissimo autoritratto in cui la regista racconta la propria avventura umana e professionale, una narrazione in cui ogni immagine rimanda ad infinite altre immagini – attuali o del passato – e in cui ogni ricordo rimanda ad altri ricordi. Le immagini tratte dai film si mescolano con sequenze documentaristiche realizzate in varie epoche, con immagini funzionali girate appositamente e con videoinstallazioni di vario genere. L’attenzione alla perfezione visiva è maniacale e rende questo film un capolavoro non solo per le eccezionali modalità narrative attraverso cui cerca di ricostruire i complessi percorsi attraverso cui la memoria individuale si costruisce e si esprime, ma anche per la sua componente estetica. La Varda si ritrae, senza eccessivi compiacimenti e con una notevole dose di ironia, come una donna forte, consapevole dell’essere una delle icone del cinema francese eppure in grado di mettersi in gioco e in discussione e capace di riconoscere l’importanza di tutti i compagni di viaggio che ha incontrato sulla sua strada. (Alessandro Cattunar)

Esmaeil Mirzaei Ghomi, Iran, 2008, 76’

Essere transessuali a Teheran. Andare alla ricerca della propria identità, cercare di vivere la propria differenza naturalmente, sfidare i pregiudizi di una società, quella iraniana, fortemente intrisa dai precetti tradizionali e dalla tradizione patriarcale. Sette transessuali raccontano la loro esperienza, la loro vita quotidiana in un paese in cui non sono accettati e in cui non possono esprimere liberamente la propria sessualità, i propri desideri. Bahman Motamedian, scrittore, fotografo e regista teatrale, cerca di raccontare una realtà poco nota, all’interno del suo stesso paese, cercando di fondere fiction e documentario. La confessione e la narrazione di vita si mescolano con la recitazione e la finzione attivando interessanti cortocircuiti riguardanti l’identità personale e quella sociale, la possibilità di esprimersi e la necessità di fingere. O, forse, l’impossibilità di continuare a fingere, soprattutto in famiglia, con dei genitori che piuttosto che avere un figlio transessuale preferirebbero non averlo proprio… (Alessandro Cattunar)